Не только художникам приходила в голову идея что-нибудь вырезать и склеить. Музыканты, поэты и писатели тоже создавали свои коллажи, но в руках у них были не клей, ножницы, бумага, а ноты или слова. Пикассо вклеивал в свои коллажи изображения музыкальных инструментов, а композиторы использовали в своей музыке приёмы коллажей Пикассо. Коллаж вписывается в эстетику постмодернизма, согласно которой всё новое уже изобретено предыдущими поколениями, а потому коллажную технику в XX веке легко перенести на другие виды искусства. В частности — на музыку.
Коллаж в музыке чаще всего связан с полистилистикой. Полистилистика — это техника сочинения музыки, в основе которой лежит соединение в одном произведении контрастных стилевых элементов. Этот термин ввёл композитор Альфред Шнитке в 1971 году. Подобно тому, как в коллаже на единую основу наклеиваются кусочки из разных материалов (бумаги, картона, ткани, фольги, засушенных растений), в музыкальном сочинении рядом могут оказаться стили разных эпох (барокко, классицизм, романтизм). Приёмы полистилистики — это цитата, словно «вырезанная» из музыки другого композитора, квазицитата (или околоцитата, почти-цитата, недоцитата) и аллюзия — намёк на чужой стиль.
Один из первых музыкальных коллажей появился примерно в то же время, когда Пикассо и Брак проводили свои эксперименты в этой области. Музыку Четвёртой симфонии (1916) американский композитор Чарлз Айвз (1874-1954) «склеил» из различных маршей, гимнов, регтаймов, популярных песен, романтических мелодий, а также цитат его собственных сочинений. По профессии Айвз был страховым агентом; музыку он писал по вечерам после работы, а себя называл «композитором выходного дня». Вторая часть этой симфонии передаёт хаос современной Айвзу городской жизни: она звучит как открытое окно, выходящее на шумную улицу. Для этого замысла композитору понадобился большой оркестр: помимо традиционного для классической музыки состава Айвз включает в партитуру саксофон, два рояля, челесту, орган, терменвокс, множество ударных и несколько дополнительных медных инструментов. Оркестр делится на группы, каждая из которых играет в своём темпе и своём размере. Разные «музыки» звучат одновременно и наслаиваются друг на друга подобно бумажным объектам, пересекающимся в коллаже. Поэтому вторая часть не заканчивается, а скорее обрывается как лист бумаги. Чтобы контролировать такую массу, требуется как минимум два дирижёра!
Но самым знаменитым музыкальным коллажем является третья часть Симфонии для восьми голосов и оркестра (1968-1969) Лучано Берио (1925-2003). В качестве «холста» для своей третьей части Берио взял третью часть Второй симфонии Малера. На музыку Малера Берио накладывает множество цитат из произведений Баха, Бетховена, Дебюсси, Равеля, Иоганна Штрауса, Рихарда Штрауса, Берлиоза, Брамса, Вагнера, Стравинского, вышеупомянутого Айвза и других композиторов. Берио выбрал те сочинения, которые так или иначе похожи на музыку Малера: «клеем» для этих объектов ему служат вальсовость, движение по звукам гаммы, а также интервалы кварты и квинты. «Холст» закрашен не полностью: фон то заглушается потоком цитат, то становится слышнее. Коллаж реализуется в третьей части Симфонии и на уровне текста, составленного из фрагментов романа Беккета «Неназываемый», бытовых разговоров, сочинений Джойса и политических лозунгов.
Пожалуй, самый экстравагантный музыкальный коллаж принадлежит аргентинскому композитору Маурисио Кагелю (1931-2008). В 1970 году он сочинил коллаж «Ludwig van» из произведений Бетховена по случаю 200-летнего юбилея со дня рождения великого классика (кстати, в этом году Бетховену — 250). Кагель обклеил целую комнату в своём доме нотами сочинений Бетховена, включая стены, пол, двери, оконные рамы, мебель, посуду, зеркала, свечи, шкатулки, фортепиано и другие предметы. Ранее Кагель снял эту комнату в одноименном фильме, который и стал толчком для написания музыки. Ноты его сочинения «Ludwig van» представляют собой фотографии этих предметов. Именно по этим фото и должен играть исполнитель. Кагель придумал особые правила для музыкантов: можно играть не по порядку, не все ноты, в любом темпе, любой динамике, на любых инструментах и с любыми повторами. Музыкант может даже перевернуть страницу вверх ногами и играть по ней. Такая исполнительская свобода в музыке XX века называется алеаторикой.
«Ludwig van» — редкий случай музыкального коллажа, родившегося из коллажа визуального; своё творение Кагель назвал «метаколлажем».
Можно обнаружить ещё несколько музыкальных коллажей, если вернуться к буквальному значению слова «коллаж» — «склеивание». Речь идёт о так называемой конкретной музыке — технике композиции, которая оперирует не нотами, а звуками окружающего мира, записанными на плёнку. Это может быть шум поезда, скрип двери, пение птиц, удары, стуки, шелест, звуки дождя, а также человеческого голоса — вздохи, шёпот, крик, смех или плач. Конкретная музыка зародилась во Франции в конце 40-х годов XX века. Для экспериментов со звуком в Париже и Кёльне были созданы исследовательские студии электронной музыки (позже подобные организации появились и в других городах). Композиторы XX века сначала записывали звуки на плёнку, потом обрабатывали их с помощью специального оборудования, а затем «склеивали» в единую композицию.
Клеить можно было по-разному. Самый простой способ — последовательное наложение звуков на чистую магнитофонную плёнку. Но можно было записать звуки на одну плёнку с нескольких магнитофонов одновременно, регулируя громкость каждого из них, и это давало неповторимые результаты. Некоторые композиторы пробовали даже сделать музыкальный коллаж в прямом смысле: на чистую плёнку наклеивались геометрические фигуры, вырезанные из плёнок с записями различных звуков. Впрочем, звучали такие коллажи не очень приятно, и от этой мысли скоро пришлось отказаться.
Пионерами конкретной музыки были два Пьера, чьи имена часто произносятся вместе: Пьер Шеффер и Пьер Анри. Вместе они создали один из самых известных образцов конкретной музыки — «Симфонию для одного человека». Шеффер был инженером по образованию; Анри же окончил Парижскую консерваторию, где учился у Оливье Мессиана. Первыми опытами Шеффера стали три этюда, объединённые под общим названием «Концерт шумов»: «Этюд с турникетом», «Этюд с кастрюлями» и «Этюд с железными дорогами». В последнем из них Шеффер использует всевозможные звуки поезда, которые он записал на вокзалах Парижа: стук колёс, толчки вагонов, вой сирен и свистки. В этом этюде ритм поезда как будто становится музыкальным ритмом, свистки напоминают флейты, а ускорение поезда подобно музыкальному accelerando (ит. «ускоряя»).
А теперь садитесь совсем удобно и наслаждайтесь специальной подборкой музыкальных коллажей.
Текст и коллаж: Алиса Насибулина